Finalmente, luego de mucha expextativa, el primer disco solista del ex guitarrista de Guns N Roses y Velver Revolver en unos días estará en la calle. Slash, así se llamará la placa, cuenta con una cantidad de invitados notables entre los que se destacan Chris Cornell, Cypress Hill, Fergie, Lemmy Kilmister, Ozzy Osbourne e Izzy Stradin.
Presentaron un "ojo biónico" para ciegos
La iniciativa, en la que Australia invirtió u$s39 millones, "puede ser uno de los avances médicos más importantes de esta generación"
El gobierno de Australia presentó hoy un prototipo de "ojo biónico", cuyos responsables esperan que sea capaz de devolver la vista a muchos ciegos y el mayor hito desde el desarrollo del alfabeto Braille.
La iniciativa, en la que Camberra ha invertido 42 millones de dólares australianos (38,6 millones de dólares estadounidenses), "puede ser uno de los avances médicos más importantes de nuestra generación", afirmó el primer ministro, Kevin Rudd.
"El proyecto del ojo biónico permitirá a Australia mantenerse en la vanguardia de esta línea de investigación y comercialización, y puede devolver la vista a miles de personas en todo el mundo" , dijo Rudd.
Según los científicos australianos, el invento se implanta parcialmente en el globo ocular y está diseñado para pacientes que sufren una pérdida de visión degenerativa y hereditaria causada por una condición genética conocida como retinitis pigmentosa.
El "ojo biónico" dispone de una minicámara, colocada sobre una lente, que captura imágenes y las envía a un procesador que puede guardarse en el bolsillo.
El dispositivo transmite una señal a la unidad dentro de la retina que estimula las neuronas vivas dentro de ésta, que a su vez mandan las imágenes al cerebro.
Los usuarios del "ojo biónico" no volverán a tener vista perfecta, pero se espera que puedan ser capaces de distinguir puntos de luz que el cerebro podrá reconstruir en imágenes.
Fuente: EFE
Rip Curl Pro Mar del Plata 2010
Una vez más Semana Santa será escenario del ya clásico evento RIP CURL PRO, donde se estarán presentando los mayores exponentes del surf nacional. El mismo se llevará a cabo en Playa Grande, sector Yacht Club Argentino (YCA), del 1 al 4 de abril de 2010.
El Rip Curl Pro es organizado por el presidente de la Asociación Marplatense de Surf (AMS), Ricardo Saracino, y será puntable tanto para la AMS como para la Asociación Argentina de Surf (ASA).
Las categorías a disputarse serán: en Caballeros, Longboard, Open Pro, Trials y Menores de 12, 14, 16 y 18 años; y en Damas Open y Menores de 16 años. Las mismas, tendrán una premiación de $10.000 pesos, distribuidos en $7.000 para Open, $1.500 para dama y $1.500 para Longboard. Además, se sorteará entre los inscriptos un pasaje aéreo a Chile, una tabla de surf para la categoría caballeros menores de 12 años y un electro estimulador personal para clase damas.
Este evento fue declarado de interés turístico y contará con el apoyo de Prefectura Naval Argentina, el Ente Municipal de Deportes (EMDER), y la Municipalidad del Partido de General Pueyrredón.
Para más información comunicarse al 0223-15400-2072 o Nextel 175*1399, o bien vía email a_m_surf@hotmail.com
fuente youextreme.com
Los Tipitos presentan "El Club de los Martes" el Sábado 29 de mayo en el Luna Park
Ganadores de dos Premios Gardel consecutivos (Mejor álbum grupo pop 2006 y Mejor grupo pop 2007) por sus últimos discos, Tipitorex vivo y Tan Real, con incontables presentaciones en los escenarios más destacados de Argentina y un fuerte vínculo con el público de todo el país desarrollado en el transcurso de su extensa trayectoria, coronada por giras latinoamericanas, Los Tipitos llegan a 2010 con la misma formación de aquellos días del '94 cuando se formaron en la Ciudad de Mar del Plata: Federico Bugallo (bajo y coros), Walter Piancioli (piano, guitarra y voz), Raúl Ruffino (guitarra y voz), y Pablo Tevez (batería y coros).
El Club de los Martes, su duodécimo disco, fue grabado durante los meses de noviembre y diciembre de 2009 en los Estudios Panda. Los pianos y teclados fueron registrados, por gentileza de Lito Vitale, en su estudio. La producción artística estuvo a cargo de la dupla Alfredo Toth - Pablo Guyot, con quienes el grupo ya había trabajado en su séptimo disco: Armando Camaleón (2004).
Ya está rotando en las radios de todo el país Laberinto, el primer corte (que tendrá también su versión en video) de El Club de los Martes. Compuesto por trece canciones que llevan el sello personal de Los Tipitos. "Jurame", "Hay un lugar", "Para Cambiar" y " No viene hasta mi", son algunos de los temas que definen el último trabajo del grupo.Editado por Tocka Discos - sello al que pertenecen desde 1999 y en el que desarrollaron casi la totalidad de su discografía - El Club de los Martes, llegará a las bateas de Argentina el 8 de abril.
Presentación oficial: Sábado 29 de mayo a las 21:30 en el Estadio Luna Park, Av. Madero 420
fuente show rock
Divididos en Tilcara: regreso con gloria
El trío presentó Amapola del 66 con un épico concierto en Jujuy.
Fue como una gran novela. Tuvo todos los ingredientes que hacen a la mejor literatura. Un comienzo con misterio y suspenso, un desarrollo intenso y pleno de sorpresas, y un final con peligro y emoción. El concierto con el que Divididos presentó su flamante album, Amapola del 66, en Tilcara, Jujuy, tuvo todos esos ingredientes y muchos más. Fue un concierto épico, inolvidable, magnífico. Un hecho artístico trascendente, lleno de mística, coraje, emoción y buena música.
Conviene empezar haciendo un poco de historia. Divididos tocó por primera vez en Tilcara en 2000, cuando estaba presentando su por entonces reciente álbum, Narigón del siglo. Ricardo Mollo quedó profundamente impactado por el lugar, y conoció a músicos locales, a quienes invitó a tocar en el concierto, como Fortunato Ramos y Ricardo Vilca. Este último, una leyenda regional que siempre se negó a dejar su tierra para triunfar en "la gran ciudad", es el autor de "Guanuqueando", que el grupo incluyó en el álbum siguiente, Vengo del placard de otro (2002). Desde entonces, Mollo adoptó Tilcara como una especie de refugio espiritual, retornando numerosas veces a este pueblo de alrededor de 10.000 habitantes, situado en la Quebrada de Humahuaca, a 2500 metros de altura, a unos 1.800 km de Buenos Aires.
Pasaron 10 años desde aquella primera presentación, y Divididos decide retornar a Tilcara para presentar oficialmente su nuevo y esperado álbum, Amapola del 66, primer disco de estudio desde el ya lejano Vengo. La escenografía natural no podría ser más impresionante. Un escenario situado en un predio ubicado a unos 2 km. del pueblo, una especie de valle entre dos cadenas montañosas pintadas con los colores que sólo quienes conocen la naturaleza del lugar pueden imaginar. La gente empezó a llegar desde un par de días antes, provenientes de los más diversos rincones del país, pero el sábado, día del concierto, con el arribo de quienes venían de lugares relativamente cercanos, como Jujuy, Salta, Tucumán, el pueblo realmente parecía tomado por una multitud de jóvenes y no tanto, que se autoconvocaron para lo que fue algo así como un auténtico Woodstock de la puna. Banderas de los pueblos originarios junto a las argentinas, otras que identificaban sus lugares de procedencia (desde Laferrere a Comodoro Rivadavia), mucho pullover de pelo de llama, y un auténtico sentimiento solidario entre la gente, junto con las ganas de pasarla bien, y el presentimiento de que ésta iba a ser una ocasión realmente especial. 
A la hora prevista, cerca de las cinco de la tarde, comenzaron tocando como teloneros cuatro artistas locales, la banda jujeña La Gallega, la solista Micaela Chauque y dos grupos tilcareños, Chakra y Los Amigos de Vilca, este último integrado por los músicos que solían acompañar al malogrado Ricardo.
Pero a las 18.30 hs., la hora prevista para la aparición de Divididos, la primera sorpresa: un chaparrón se descarga sobre los aproximadamente 15.000 espectadores - en un lugar donde llueve muy esporádicamente- y obliga a los asistentes a correr para tapar con nylon los equipos, instrumentos y luces que estaban sobre el escenario. La lluvia finalmente cesó, dejando a la concurrencia mojada, obligando a que Divididos comenzara su actuación una hora y cuarto después de lo planeado, cuando la luz del día se iba extinguiendo lentamente sobre las montañas.
El trío empezó con una potente versión de "El Arriero", para arrancar a continuación con la presentación de Amapola del 66, con una seguidilla de cuatro temas: "Hombre en U", "Buscando Un Angel", "Mantecoso" y "Muerto a Laburar". A los tres se los nota emocionados y dando el máximo de sí mismos, y a Mollo se lo ve particularmente feliz, tocando por momentos con una sonrisa de oreja a oreja. En "Muerto." desgrana un gran solo, con Diego Arnedo y Catriel Ciavarella desatando una tormenta hiperactiva en el bajo y la batería, que trae a la memoria a los Who.
El concierto alcanza su primer climax con extraordinarias versiones de 'Vientito del Tucumán" y "Par Mil" que dan comienzo a una parte del show fuertemente impregnada del espíritu de la tierra. La bagualera Micaela Chauque se une con su voz y sicus a Diego en la guitarra, para cantar su misterioso tema "Avanzando retroceden". Luego un verdadero seleccionado
santiagueño, que incluye al patriarca Juan Saavedra y Sandra Farías en danza y bombos, y a los niños Aurelio Giménez y Nazareno Saavedra, de 12 y 10 años, para interpretar la chacarera "La Flor Azul", dedicada al padre de Arnedo, compositor del tema.
Los chicos le daban a los bombos con alma y vida, y este momento se prolongó con una impactante versión de "Que Ves", con el baile de Saavedra, un verdadero brujo, cautivando a la audiencia. "Guanuqueando" introdujo a Los Amigos de Vilca, comandados por José "Chato" González en aerófonos, y después llegaron las dos canciones del nuevo álbum que Mollo dedicó a la región, "Senderos" y "Jujuy". La culminación fue con "Mañana en el Abasto": el tema comenzó con Micaela recitando coplas con su caja como "de arriba viene lloviendo, de abajo viene tronando, nosotros con Divididos, la tradición festejando". Con la entrada de Fortunato Ramos y su erke, el tema unió las resonancias célticas de algunos temas de Luca con el aire hipnótico de la música del altiplano, en una comunión realmente feliz.
Pero a esta altura la lluvia se hizo nuevamente presente, poniendo un condimento heroico a la última parte del recital, realizada bajo una cortina de agua, y con auténtico peligro para todos los presentes, especialmente para los músicos, una situación que Mollo resumió con humor diciendo "espero que este no sea nuestro último show". Pero así y todo el guitarrista se negó a reducir la lista de temas prevista, descerrajando una sucesión de temas donde volvió a brillar la aplastante potencia de la aplanadora, con "Perro funk", "Rasputín", "El 38" y "Ala delta".
El final fue con "Amapola del 66", que cuando se transforma en chacarera permitió que se subieran todos los músicos que habían participado, con guitarras, charangos, violín, quenas y bombos, desfilando sobre el escenario en un final tan emotivo que las lágrimas se mezclaban con la lluvia en los rostros de los protagonistas del concierto y del otro gran protagonista, el público.
A los que no estuvieron, seguramente les gustará saber que todo lo que ocurrió -incluído el "ensayo general" del día anterior-, fue grabado y filmado para la edición de un DVD.
Por Claudio Kleiman - Fotos de Ferrnando Gutierrez (Enviados especiales a Tilcara, Jujuy) para la rollig stone
Fue como una gran novela. Tuvo todos los ingredientes que hacen a la mejor literatura. Un comienzo con misterio y suspenso, un desarrollo intenso y pleno de sorpresas, y un final con peligro y emoción. El concierto con el que Divididos presentó su flamante album, Amapola del 66, en Tilcara, Jujuy, tuvo todos esos ingredientes y muchos más. Fue un concierto épico, inolvidable, magnífico. Un hecho artístico trascendente, lleno de mística, coraje, emoción y buena música.
Conviene empezar haciendo un poco de historia. Divididos tocó por primera vez en Tilcara en 2000, cuando estaba presentando su por entonces reciente álbum, Narigón del siglo. Ricardo Mollo quedó profundamente impactado por el lugar, y conoció a músicos locales, a quienes invitó a tocar en el concierto, como Fortunato Ramos y Ricardo Vilca. Este último, una leyenda regional que siempre se negó a dejar su tierra para triunfar en "la gran ciudad", es el autor de "Guanuqueando", que el grupo incluyó en el álbum siguiente, Vengo del placard de otro (2002). Desde entonces, Mollo adoptó Tilcara como una especie de refugio espiritual, retornando numerosas veces a este pueblo de alrededor de 10.000 habitantes, situado en la Quebrada de Humahuaca, a 2500 metros de altura, a unos 1.800 km de Buenos Aires.
Pasaron 10 años desde aquella primera presentación, y Divididos decide retornar a Tilcara para presentar oficialmente su nuevo y esperado álbum, Amapola del 66, primer disco de estudio desde el ya lejano Vengo. La escenografía natural no podría ser más impresionante. Un escenario situado en un predio ubicado a unos 2 km. del pueblo, una especie de valle entre dos cadenas montañosas pintadas con los colores que sólo quienes conocen la naturaleza del lugar pueden imaginar. La gente empezó a llegar desde un par de días antes, provenientes de los más diversos rincones del país, pero el sábado, día del concierto, con el arribo de quienes venían de lugares relativamente cercanos, como Jujuy, Salta, Tucumán, el pueblo realmente parecía tomado por una multitud de jóvenes y no tanto, que se autoconvocaron para lo que fue algo así como un auténtico Woodstock de la puna. Banderas de los pueblos originarios junto a las argentinas, otras que identificaban sus lugares de procedencia (desde Laferrere a Comodoro Rivadavia), mucho pullover de pelo de llama, y un auténtico sentimiento solidario entre la gente, junto con las ganas de pasarla bien, y el presentimiento de que ésta iba a ser una ocasión realmente especial. 
A la hora prevista, cerca de las cinco de la tarde, comenzaron tocando como teloneros cuatro artistas locales, la banda jujeña La Gallega, la solista Micaela Chauque y dos grupos tilcareños, Chakra y Los Amigos de Vilca, este último integrado por los músicos que solían acompañar al malogrado Ricardo.
Pero a las 18.30 hs., la hora prevista para la aparición de Divididos, la primera sorpresa: un chaparrón se descarga sobre los aproximadamente 15.000 espectadores - en un lugar donde llueve muy esporádicamente- y obliga a los asistentes a correr para tapar con nylon los equipos, instrumentos y luces que estaban sobre el escenario. La lluvia finalmente cesó, dejando a la concurrencia mojada, obligando a que Divididos comenzara su actuación una hora y cuarto después de lo planeado, cuando la luz del día se iba extinguiendo lentamente sobre las montañas.
El trío empezó con una potente versión de "El Arriero", para arrancar a continuación con la presentación de Amapola del 66, con una seguidilla de cuatro temas: "Hombre en U", "Buscando Un Angel", "Mantecoso" y "Muerto a Laburar". A los tres se los nota emocionados y dando el máximo de sí mismos, y a Mollo se lo ve particularmente feliz, tocando por momentos con una sonrisa de oreja a oreja. En "Muerto." desgrana un gran solo, con Diego Arnedo y Catriel Ciavarella desatando una tormenta hiperactiva en el bajo y la batería, que trae a la memoria a los Who.
El concierto alcanza su primer climax con extraordinarias versiones de 'Vientito del Tucumán" y "Par Mil" que dan comienzo a una parte del show fuertemente impregnada del espíritu de la tierra. La bagualera Micaela Chauque se une con su voz y sicus a Diego en la guitarra, para cantar su misterioso tema "Avanzando retroceden". Luego un verdadero seleccionado
santiagueño, que incluye al patriarca Juan Saavedra y Sandra Farías en danza y bombos, y a los niños Aurelio Giménez y Nazareno Saavedra, de 12 y 10 años, para interpretar la chacarera "La Flor Azul", dedicada al padre de Arnedo, compositor del tema.Los chicos le daban a los bombos con alma y vida, y este momento se prolongó con una impactante versión de "Que Ves", con el baile de Saavedra, un verdadero brujo, cautivando a la audiencia. "Guanuqueando" introdujo a Los Amigos de Vilca, comandados por José "Chato" González en aerófonos, y después llegaron las dos canciones del nuevo álbum que Mollo dedicó a la región, "Senderos" y "Jujuy". La culminación fue con "Mañana en el Abasto": el tema comenzó con Micaela recitando coplas con su caja como "de arriba viene lloviendo, de abajo viene tronando, nosotros con Divididos, la tradición festejando". Con la entrada de Fortunato Ramos y su erke, el tema unió las resonancias célticas de algunos temas de Luca con el aire hipnótico de la música del altiplano, en una comunión realmente feliz.
Pero a esta altura la lluvia se hizo nuevamente presente, poniendo un condimento heroico a la última parte del recital, realizada bajo una cortina de agua, y con auténtico peligro para todos los presentes, especialmente para los músicos, una situación que Mollo resumió con humor diciendo "espero que este no sea nuestro último show". Pero así y todo el guitarrista se negó a reducir la lista de temas prevista, descerrajando una sucesión de temas donde volvió a brillar la aplastante potencia de la aplanadora, con "Perro funk", "Rasputín", "El 38" y "Ala delta".
El final fue con "Amapola del 66", que cuando se transforma en chacarera permitió que se subieran todos los músicos que habían participado, con guitarras, charangos, violín, quenas y bombos, desfilando sobre el escenario en un final tan emotivo que las lágrimas se mezclaban con la lluvia en los rostros de los protagonistas del concierto y del otro gran protagonista, el público.
A los que no estuvieron, seguramente les gustará saber que todo lo que ocurrió -incluído el "ensayo general" del día anterior-, fue grabado y filmado para la edición de un DVD.
Por Claudio Kleiman - Fotos de Ferrnando Gutierrez (Enviados especiales a Tilcara, Jujuy) para la rollig stone
BB King, el rey eterno
"Sí, tengo 84 años, pero no estoy muerto", bromea con el público. Su voz resuena en un Luna Park perplejo ante este mito viviente. Vestido con un llamativo saco de varios colores y corbata de moño, acaricia las cuerdas de Lucille, su guitarra. Es el rey eterno, el dueño del blues. Es BB King que, después de doce años, volvió a visitar la Argentina.
"Estoy muy contento de volver a la Argentina, aunque estoy muy triste porque extraño a mi amigo", fueron las primeras palabras que Riley B. King, su verdadero nombre, pronunció al comienzo del show. Su amigo era nada menos que Norberto Napolitano, Pappo, el ícono del blues local, que tocó muchas veces con su par norteamericano.
Con ocho músicos que lo acompañaban en el escenario, BB King le dedicó varios temas a Pappo. Pero también, y haciendo gala de su típica caballerosidad, cantó a las mujeres. "A veces me dan ganas de tirar la guitarra y salir corriendo a perseguir a los hombres que hablan mal de las mujeres", decía a manera de introducción de una brillante versión de "You are my sunshine".
A pesar de sus 84 años, no paró ni un segundo de entretener al público. "Sé que mi inglés es muy malo, pero mi castellano es peor", ironizaba. Pero, aunque hablara en otro idioma, el público lo seguía, reía con él, cantaba con él y, sobre todo, disfrutaba del lujo de poder presenciar el show de este astro que sigue haciendo honor a su trono.
"Estoy muy contento de volver a la Argentina, aunque estoy muy triste porque extraño a mi amigo", fueron las primeras palabras que Riley B. King, su verdadero nombre, pronunció al comienzo del show. Su amigo era nada menos que Norberto Napolitano, Pappo, el ícono del blues local, que tocó muchas veces con su par norteamericano.
Con ocho músicos que lo acompañaban en el escenario, BB King le dedicó varios temas a Pappo. Pero también, y haciendo gala de su típica caballerosidad, cantó a las mujeres. "A veces me dan ganas de tirar la guitarra y salir corriendo a perseguir a los hombres que hablan mal de las mujeres", decía a manera de introducción de una brillante versión de "You are my sunshine".
A pesar de sus 84 años, no paró ni un segundo de entretener al público. "Sé que mi inglés es muy malo, pero mi castellano es peor", ironizaba. Pero, aunque hablara en otro idioma, el público lo seguía, reía con él, cantaba con él y, sobre todo, disfrutaba del lujo de poder presenciar el show de este astro que sigue haciendo honor a su trono.
El camino al éxito. BB King nació en 1925 en Itta Bena, Misisipi, Estados Unidos. Gran parte de su adolescencia la pasó trabajando en los campos de algodón, en una época donde el racismo estaba a la orden del día y la vida de la comunidad negra era muy dura.
Comenzó a acercarse a la música de la mano del Gospel, en las iglesias del sur norteamericano. Pero de a poco se fue enamorando del blues y, a pesar de que este estilo era en aquel momento música racial y, por lo tanto, ampliar el público era una misión casi imposible, siguió fiel a su estilo.
Con los años y en parte gracias a la influencia de su primo el blusero Bukka White, y en otra gran parte debido a su voluntad y su capacidad autodidacta, el Street Boy Blues, de donde vendría luego su apodo, fue creando un estilo único, caracterizado por la idea de que "cada nota cuenta" dentro del fraseo y el vibrato con la mano izquierda, modalidad que tomó prestada de músicos como Blind Lemon Jefferson y T-Bone Walter y que luego sirvió de modelo a guitarristas de la talla de Eric Clapton y George Harrison.
Desde la década del 50, BB King inició sus giras en autocar con toda la banda a cuestas. Y desde ese momento, nunca se alejó la música, ni siquiera cuando algún obstáculo se le cruzaba en el camino. Cuenta su biografía que una vez, luego de un accidente de tránsito, tuvieron que darle varios puntos en el brazo derecho. Para no cancelar el show de esa noche, se presentó ante su público y tocó todo el tiempo golpeando las cuerdas con la mano izquierda.
Su compañera de aventuras fue Lucille, o todas las Lucille que son parte de sus vidas. Así es como llama a sus guitarras. El nombre surgió una noche en que tocaba en un bar. Dos hombres entablaron una pelea y al tirar una lámpara el lugar comenzó a incendiarse. Todos lograron salir ilesos, pero cuando BB King se percató de que su guitarra había quedado adentro del local, arriesgó su vida y cruzó las llamas para salvarla.
Luego se enteró que la pelea entre los causantes del incendio había sido originada por una mujer llamada Lucille. De ahí en más, todas sus guitarras llevarían ese nombre.
Su talento atravesó décadas y hasta el día de hoy, como se podía apreciar anoche en el show del Luna Park, sigue encantando al público más variado. Es que este rey, que según la revista Rolling Stone ocupa el tercer puesto entre los guitarristas más grandes de todos los tiempos (después de Jimi Hendrix y Duane Allman), no se pasa de moda.
Comenzó a acercarse a la música de la mano del Gospel, en las iglesias del sur norteamericano. Pero de a poco se fue enamorando del blues y, a pesar de que este estilo era en aquel momento música racial y, por lo tanto, ampliar el público era una misión casi imposible, siguió fiel a su estilo.
Con los años y en parte gracias a la influencia de su primo el blusero Bukka White, y en otra gran parte debido a su voluntad y su capacidad autodidacta, el Street Boy Blues, de donde vendría luego su apodo, fue creando un estilo único, caracterizado por la idea de que "cada nota cuenta" dentro del fraseo y el vibrato con la mano izquierda, modalidad que tomó prestada de músicos como Blind Lemon Jefferson y T-Bone Walter y que luego sirvió de modelo a guitarristas de la talla de Eric Clapton y George Harrison.
Desde la década del 50, BB King inició sus giras en autocar con toda la banda a cuestas. Y desde ese momento, nunca se alejó la música, ni siquiera cuando algún obstáculo se le cruzaba en el camino. Cuenta su biografía que una vez, luego de un accidente de tránsito, tuvieron que darle varios puntos en el brazo derecho. Para no cancelar el show de esa noche, se presentó ante su público y tocó todo el tiempo golpeando las cuerdas con la mano izquierda.
Su compañera de aventuras fue Lucille, o todas las Lucille que son parte de sus vidas. Así es como llama a sus guitarras. El nombre surgió una noche en que tocaba en un bar. Dos hombres entablaron una pelea y al tirar una lámpara el lugar comenzó a incendiarse. Todos lograron salir ilesos, pero cuando BB King se percató de que su guitarra había quedado adentro del local, arriesgó su vida y cruzó las llamas para salvarla.
Luego se enteró que la pelea entre los causantes del incendio había sido originada por una mujer llamada Lucille. De ahí en más, todas sus guitarras llevarían ese nombre.
Su talento atravesó décadas y hasta el día de hoy, como se podía apreciar anoche en el show del Luna Park, sigue encantando al público más variado. Es que este rey, que según la revista Rolling Stone ocupa el tercer puesto entre los guitarristas más grandes de todos los tiempos (después de Jimi Hendrix y Duane Allman), no se pasa de moda.
Por Sol Amaya De la Redacción de lanacion.com mamaya@lanacion.com.ar
El inmenso line up del Festival Sónar
Ya está listo el programa completo de artistas que se presentarán, del 17 al 19 de junio próximos, en Sónar 2010, el más festival de música avanzada y arte multimedia que este año por primera vez se realiza simultáneamente en Barcelona y A Coruña. La enorme lista incluye, entre otros, Air, Hot Chip, Dizzie Rascal, LCD Soundsystem, Chemical Brothers, Pete Tong, con foco especial en la escena británica. Mirá el video promocional.
Este año, la imagen del festival que siempre buscar sorprender por su originalidad, se vincula a Galicia y toma forma de largometraje. La película se titula Finisterre y estará estructurada en 6 capítulos y un epílogo que relatan “un viaje de introspección de dos fantasmas que en Sónar 2009 deciden hacer el Camino de Santiago hasta el fin del mundo para, una vez allí, comenzar una nueva etapa terrenal y efímera”. Mirá el trailer.
Este año, la imagen del festival que siempre buscar sorprender por su originalidad, se vincula a Galicia y toma forma de largometraje. La película se titula Finisterre y estará estructurada en 6 capítulos y un epílogo que relatan “un viaje de introspección de dos fantasmas que en Sónar 2009 deciden hacer el Camino de Santiago hasta el fin del mundo para, una vez allí, comenzar una nueva etapa terrenal y efímera”. Mirá el trailer.
FINISTERRAE Sónar 2010 (teaser) from Sónar on Vimeo.
El Indio Solari tocará en noviembre en Tandil
El frontman dará su único concierto de 2010 el 13 de noviembre en el Hipódromo de Tandil.
Todos sabemos que el Indio Solari planea sus movimientos con mucha antelación. Tanto es así, que el fan site Redonditos de Abajo publicó una información que, según confirmó RS, es oficial: el cantante dará su único concierto de 2010 el 13 de noviembre en el Hipódromo de Tandil.
¿Y el sucesor de Porco Rex? La idea es que aparezca en algún momento del segundo semestre de este año, pero aún no hay ninguna clase de certeza. "Ustedes saben como son los tiempos del Indio.", le señaló un hombre del entorno del frontman a RS. Lo que sí está confirmado es que, durante 2011, Solari presentará ese nuevo material con una gira nacional en la que recorrerá "nuevas ciudades de nuestro país".
BAFICI: el cine toma la ciudad
Entre el 7 y el 18 de abril se realizará el 12º Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente.
Para felicidad de los estudiantes de cine de anteojos de marco grueso y obscuro, los militantes de los casi extintos cineclubes y los cinéfilos “paquetes” adictos al sushi y asiduos visitantes del MALBA, para todos ellos - y también para los amantes del séptimo arte que no se sienten representados por las categorías descriptas-, una nueva edición del BAFICI está en camino.
En el encuentro cinematográfico más importante de la ciudad se desarrollará entre el 7 y el 18 de abril en 21 salas porteñas. 422 serán las producciones que se presentaran (incluyendo cortos y largometrajes) en la duodécima edición del festival, que además contará con la presencia de invitados de lujo como la directora italiana Tizza Covi, el cineasta portugués Joao Pedro Rodrígues, el estadounidense Harmony Korine y la actriz Angela Bassett.
A diferencia del encuentro del año pasado, en esta ocasión el foco estará puesto sobre la producción latinoamericana reciente y, como siempre, en los largometrajes nacionales. En cuanto a la competencia oficial, argentina estará representada por Lo que más quiero, opera prima de Delfina Castagnino; Centro, de Sebastián Martínez; y El ambulante, de Eduardo de la Serna, Lucas Marcheggiano y Adriana Yurcovich.
Una de las principales novedades del BAFICI 2010 radica en la inclusión de dos nuevas sedes, las salas Cine Parque Xacobeo y Arteplex Belgrano, que se suman a los lugares de siempre como el Atlas Santa Fe, Arteplex Duplex Caballito, MALBA, Teatro Gral. San Martin, Hoyts Abasto, Teatro 25 de Mayo y Espacio BAFICI.
Las entradas anticipadas se podrán comprar a partir del 29 de marzo a través de la página www.bafici.gov.ar.
fuente 10musica
Guns N´ Roses en Vélez: otra vez en la jungla
Ante 40 mil personas, la banda de Axl Rose se presentó en el José Amalfitani. Crónica y fotos del show.
intentar suplir el sonido (y la onda) de Keith Richards y Ron Wood, con resultados vanos. Y Axl Rose, también como solista (por más que se siga escudando en esa redituable marca llamada Guns N' Roses), con tres guitarristas para reemplazar las violas (y la escena) de Slash e Izzy Stradlin / Gilby Clarke. Y acá la balanza se inclina para el lado de Mr. Rose, por más que todos prefiramos la formación original y por más que la encarnación 2010 de los Guns sea por demás yeitera: las canciones de Chinese Democracy rinden mejor en vivo que las de Velvet Revolver, y lo mismo los covers de los clásicos gunners ("Sweet Child O' Mine", "November Rain", "Paradise City"). Quizás el secreto pase por la garganta y el carisma intactos de Axl. También algo haya en algunos (mínimos) nuevos arreglos ("Live and Let Die", "Night Train"). Y otro de los chistes sea que el sonido guitarrero histórico de los Guns (ese matrimonio glam y californiano entre los Stones y Aerosmith) puede ser reproducido con más facilidad por estos sesionistas que las afinaciones abiertas y la suciedad sonora de Keith y Ron (es simple tocar rock and roll, pero no es fácil: un postulado imbatible). Entonces, un show actual de Guns N' Roses brinda dos horas y pico de buen rock, ejecutado con oficio, con un frontman legendario, y no mucho mas. La canción sigue siendo (casi) la misma, aunque haya cosas que no cambian, como la conducta de los espectadores que se coparon en arrojarle proyectiles a Axl. La imbecilidad continúa, en el 93 y en 2010 también, y no hay señales de que termine en el corto plazo.
Por Pablo Strozza
Los 10 momentos más destacados del concierto
1- El ingreso: más que caótica, desordenada y con incidentes e intervención policial, la entrada hacia el Estadio de Vélez certificó que el cambio de sede para el regreso de los Guns N Roses a nuestro país no fue la mejor decisión. Si la transición de Nuñez a Liniers fuera a darse en próximos recitales, la organización deberá asegurar mejores condiciones. Los vecinos de River hoy duermen en paz pero, ¿a qué precio?
2- Sebastian Bach: media hora tarde y con un repertorio que duró más de una hora, insólito para un artista que oficia de telonero, el metalero pelilargo redundó en expresiones demagógicas ("Te amo, Argentina", "Te recuerdo, el mejor lugar del mundo", "Gracias por 20 años de rock") pero precalentó el estadio con temas viejos (no faltó el clásico de Skid Row, "18 and Life") y otros nuevos, de su carrera solista.
3- La eternidad: claramente, Chinese Democracy es sinónimo de espera y ansiedad. Entre Sebastian Bach y la salida de Axl pasó más de una hora y el show, que estaba previsto para las 21:15, comenzó casi a las 23. El inicio con el tema homónimo, fuegos artificiales y llamaradas desde el escenario, e hizo que la expectativa quedara satisfecha al instante.
4- La tríada Appetite For Destruction: Entre "Chinese Democracy" y "Better", tres hitazos del primer disco hicieron rememorar aquellos viejos y preciados tiempos: "Welcome to the Jungle", "It´s so easy" y "Mr Brownstone". La voz de Axl conserva la esencia y esos agudos siguen siendo su mejor marca; sin embargo, sobre el escenario, su movilidad (aunque a medida que el setlist avanzó, fue "desoxidándose") ya no es lo que era: 48 años no son poca cosa.
5- La historia se repite: como antaño en River, promediando el show, Axl llamó a un traductor para que transmitiera sus pensamientos al público. ¿La razón? Una lluvia constante de "objetos contundentes" hacia el escenario (¿recuerdan ese toallero?). El concepto fue "si nos lastiman o se lastiman entre ustedes, nos vamos a casa". Amenazó y siguió. Falsa alarma.
6- Whole Lotta Rose: El tipo de los mil cambios de vestuario. Salió con sombrero, lentes y camisa negra y un saco. Siguió con camisa rosa de mangas largas y bandana roja; después, saco de pana bordó y una suerte de flashback a su imagen más jovial y el fin, con sombrero de cowboy blanco. Faltó la pollera escocesa.
7- El momento: Después de su solo instrumental al piano (que incluyó "Goodbye Yellow Brick Road" de Elton John), Axl evocó uno sus más grandes clásicos, "November Rain". La balada sinfónica fue la más coreada de la noche y coronó la sección Use Your Illusion (junto con "Don´t Cry", que sorprendió por no haber estado en la lista de sus shows anteriores) con un increíble final. "Don´t ya think that ya need someone"...
8- El estallido: "Live and Let Die", el primer cover del setlist marcó el estallido inicial. Un pogo uniforme y constante, ante la suite Bond de Paul McCartney. Después vendrían "Another Brick in the Wall" de Pink Floyd, "Knockin´ On Heaven´s Door" de Dylan y "Whole Lotta Rosie" de AC/DC.
9- Nuestros años felices: Axl con saco largo y bandana, moviéndose hacia los lados, correteando y girando en sí mismo; el swing rockero de "Sweet Child O´Mine" mostró al cantante en su mejor momento interpretativo sobre el escenario de Vélez. El tiempo puede llevarse muchas cosas, pero nunca el poder de esos alaridos.
10- El final esperado: "Llevame a la Ciudad Paraíso, donde la hierba es verde y las mujeres preciosas.". "Paradise City" coronó la lista, como antes y como siempre: ese himno inmortal de California que se transformó en una canción común a todas las grandes urbes del planeta. Hasta la vista, Axl Rose.
Por Yamila Trautman fuente rolling stone
Madonna: Publica el DVD grabado en Buenos Aires
La Reina del pop llegará nuevamente a las bateas de novedades con un material registrado íntegramente en sus shows argentinos. Galería de aquella visita.A partir de la fama que ganó el público argentino por su fervor y calidez, muchos artistas de primer nivel internacional eligieron Buenos Aires como plaza obligada para sus conciertos.
Incluso, fueron mucho más allá. Bandas de calibre de The Police, AC/DC o Megadeth han grabado sus conciertos criollos para luego publicarlos en diversos formatos, ya sea DVD o disco compacto.
Ahora, es Madonna la que se suma al listado, porque el próximo 29 de marzo llegará a las disquerías de todo el planeta el resumen completo de los cuatro conciertos que realizó en diciembre del 2008 durante el Sticky & Sweet Tour.
La grabación será publicada en tres formatos (CD, DVD y Blu Ray) y se titulará simplemente Madonna Live In Buenos Aires. A manera de bonus, el lanzamiento contendrá imágenes de backstage y demás condimentos.
Lista de temas:
Intro: The Sweet Machine
Candy Shop Medley
Beat Goes On Medley feat. Kayne West
Human Nature
Vogue 2008
Die Another Day 2008
Into The Groove 2008
Heartbeat
Bordeline
She’s Not Me
Music 2008
Rain
Here Comes The Rain Again
Devil Wouldn’t Recognize You
Spanish Lesson
Miles Away
La Isla Bonita Medley
Me Darava
Doli Doli
You Must Love Me
Don’t Cry For Me Argentina
Get Stupid Medley
4 Minutes feat. Justin Timberlake y Timbaland
Like A Player 2008
Ray Of Light
Like A Virgin
Hung Up Medley
Give It 2 Me
fuente 10musica
Dante Spinetta "Mostro" Adelanto nuevo disco
Se desprende de su más reciente álbum "Pyramide"
México, 27 Feb. (Notimex).- El cantante argentino Dante Spinetta pone a disposición de sus seguidores el tema "Mostro", que se desprende de su más reciente álbum "Pyramide", y el cual se puede descargar de manera gratuita mediante la página web de una estación radiofónica.
Como parte de la promoción de dicha placa, la cual estará en el mercado a partir de marzo próximo, el cantante presenta el nuevo tema que a su parecer se convertirá en una canción adictiva para el público.
"habla de la transformación que sufre la gente en la noche, cómo mutamos, cómo nos comportamos de manera que no lo haríamos durante el día, el mostro atrae. convierte", señaló el cantante argentino.
Producido por el propio Dante y con la participación de Fito Páez, René (Calle 13) y Adrián Dargelos (Babasónicos), el nuevo material estará disponible a finales de marzo próximo.
"Pyramide" se grabó en Buenos Aires y cuenta con la participación de los músicos Rafael Arcaute (teclados), Guillermo Vadala (bajo) y Carlos Salas (percusión).
México, 27 Feb. (Notimex).- El cantante argentino Dante Spinetta pone a disposición de sus seguidores el tema "Mostro", que se desprende de su más reciente álbum "Pyramide", y el cual se puede descargar de manera gratuita mediante la página web de una estación radiofónica.
Como parte de la promoción de dicha placa, la cual estará en el mercado a partir de marzo próximo, el cantante presenta el nuevo tema que a su parecer se convertirá en una canción adictiva para el público.
"habla de la transformación que sufre la gente en la noche, cómo mutamos, cómo nos comportamos de manera que no lo haríamos durante el día, el mostro atrae. convierte", señaló el cantante argentino.
Producido por el propio Dante y con la participación de Fito Páez, René (Calle 13) y Adrián Dargelos (Babasónicos), el nuevo material estará disponible a finales de marzo próximo.
"Pyramide" se grabó en Buenos Aires y cuenta con la participación de los músicos Rafael Arcaute (teclados), Guillermo Vadala (bajo) y Carlos Salas (percusión).
Maratón de 24 horas para crear el mejor diseño web argentino
Preparados... listos... ¡a diseñar! Ayer a las 12.30, decenas de jóvenes coparon la esquina de Lavalle y Florida del microcentro porteño cargando sus CPU, monitores, cámaras y trípodes. Todos se dirigían al Web Design International Festival Wif 2010, que se celebra este fin de semana por primera vez en el país. Participan del concurso más de 80 jóvenes que, divididos en 30 equipos, tienen 24 horas para crear el mejor diseño web bajo una única consigna para ganarse un pase a la gran final, que se disputará en junio en Limoges, Francia. Allí habrá participantes de más de cuarenta países.
La competencia, que fue difundida en todas las escuelas de diseño, está destinada a jóvenes creativos, desarrolladores, diseñadores web, entre otros; profesionales o amateurs. “Entre los principales factores, se evaluarán el atractivo visual, la originalidad, la interactividad, la creatividad y la facilidad de navegación. Por eso, los chicos buscan armar equipos interdisciplinarios”, le contó a PERFIL Sebastián Divinski, representante local del festival y titular de la escuela de informática Educación IT, sede local de la competencia.
Atentos. A las 14 en punto se develó la incógnita. El bullicio ansioso desapareció y fue puro silencio. La consigna fue clara: “Desarrollar en equipo, en 24 horas y sin parar, interfases (diseños web) que muestren soluciones para el transporte público de Argentina del año 2020”, presentó Divinski. Enseguida volvió el murmullo y los jóvenes se lanzaron a sus máquinas. Cada equipo se acomodó en un aula asignada, conectó sus máquinas y empezaron las rondas de mate y galletitas y de pequeñas reuniones creativas en el medio de un clima distendido y divertido. “A nosotros nos avisaron en nuestro trabajo y nos pareció una gran oportunidad. No tenemos nada planeado porque recién conocimos la consigna, vamos a ver qué sale”, contó Rodrigo Guardia, de 25 años, mientras hacía bocetos en un cuaderno.
La competencia, que se realiza por cuarta vez en el mundo (es bianual), es considerada la más relevante en el ámbito del diseño y el desarrollo web. En simultáneo con lo que ocurría en Buenos Aires, también se celebraba en Italia, Bélgica, Japón, China y Noruega, entre otros países.
Los seis miembros del jurado, integrado por referentes del diseño y la comunicación, conversaron con los participantes, repartieron consejos y aliento. “Superamos ampliamente las expectativas de interesados y muchos quedaron afuera. Sin dudas, esta será la primera de muchas otras competencias”, cerró Divinski.
Al cierre de esta edición los equipos se turnaban para comer y descansar, mientras el resto seguía diseñando a toda velocidad. El cansancio ya se hacía sentir y, concientes de que les quedaba una larga noche por delante, las risas se habían transformado en miradas atentas perdidas adentro de los monitores. El cierre del concurso será hoy a las 14, pero los ganadores recién se darán a conocer el martes en www.educacionit.com.ar/wif.
fuente diario perfil
Las Oreiro: fantasía e imaginación
Con una propuesta súper femenina y con personalidad, Las Oreiro presentan su Colección Otoño – Invierno 2010, donde la fuente de inspiración se basó en las muñecas del ilustrador Kukula y el artista americano Mark Ryden, imágenes que dan esencia a una colección con auténticos recursos de fantasía e imaginación. Se imponen los drapeados y los volados en todas sus versiones: faldas plisadas, vestidos de silueta ajustada a la rodilla y, para las más jóvenes, corsé y faltas cortas. Telas nobles como gasa, tul, chiffón, rasos y brocato, y texturas que se distinguen con pailettes, terciopelos y encajes, con detalles de moños, lazos y llaves completando la consigna. El rosa y el azul, acompañan al negro y rojo, clásicos de la marca. También, una línea de zapatos y accesorios de creación propia que realzan el romanticismo y la sensualidad de cada outfit.
Además, para lucir la nueva colección, la marca realizó el pasado martes 15 de marzo, un desfile en el Teatro Maipo, con una performance artística de bailarinas que jugaron a ser muñecas y una puesta en escena que vistió al mítico teatro de rojo. Graciela Borges, Ricardo Darín junto a Florencia Bas y sus hijos, Juana Repetto, Catherine Fulop y Griselda Siciliani, entre otros, no se perdieron de ningún detalle.
Diego Torres regresa con “Guapa”
Luego de más de cuatro años de silencio discográfico, en este 2010 regresa uno de los cantantes locales más queridos: Diego Torres. El músico anunció la salida de su nuevo material discográfico, sucesor de Andando (2006).
El disco -aún sin título- fue grabado íntegramente en Miami y cuenta con la colaboración de músicos de la talla de Guillermo Vadalá, entre otros. Se desconoce su fecha de edición. Pero para amainar la espera, Diego nos regala el single difusión.
fuente 10musica
Charly García en el Luna Park: nuevos trapos
El músico dio el primero de sus tres shows en el Luna Park, en el mejor de sus conciertos desde su regreso.
Luna Park, quizás el lugar, junto con el estadio de Ferro y el Teatro Gran Rex, donde brindó sus shows más recordados y perfectos (desde el Adiós Sui Géneris hasta la presentación de Influencia, pasando por los estrenos de Clics modernos y Piano Bar). Un concierto memorable, con un Say No More de un humor brillante, más activo en escena, y con un grupo de apoyo aceitadísimo.
Ya en el inicio, el telón prometía sorpresas: figuras femeninas que se asomaban a contraluz en el aire, llevando al indoor la puesta en escena que Pichón Baldinú había planeado para Vélez Sarsfield, y que quedó malograda por la lluvia. Acto seguido, el telón que cayó, y todos los músicos enfrascados en sendos trajes plateados, que volaron en el preciso instante en el que el Bicolor salió al tablado. La lista de temas de García fue casi la misma, pero con variaciones en el orden. Así, la apertura fue con "Demoliendo hoteles" y no con "El amor espera", salió del set "Canción de 2 X 3" (una pena) y llegaron "Filosofía barata y zapatos de goma" y la olvidada "Nuevos trapos" ("Un tema de cuando era moderno"), y hasta hubo un estreno: "La medicina", puro soul nacional de la mano de un gran solo de Hammond del Zorrito Vön Quintiero.
Volviendo a la puesta en escena, un andamio elevó a García en "No soy un extraño" hacia los techos del Luna Park y, en "Pasajera en trance", dos bailarinas surcaron los aires del lugar sujetadas por arneses. Espectacularidad para un show que quiso trascender lo musical, y lo logró.
Además, los invitados. Tras una potente toma de "Fanky", León Gieco subió para hacer "Los Salieris de Charly" (luego del estribillo "Somos del grupo Los Salieris de Charly, le robamos melodías a él" un jocoso García se preguntaba "¿A mí?") y "El fantasma de Canterville" (fuera de programa, o como dijo Charly, "Me entusiasmé y esto es una zapada"). Y en los bises, tal como ocurrió en Mar del Plata, Pedro Aznar ("Uno de los Beatles argentinos") interpretó "Perro andaluz", y el fantasma de Serú Girán dijo presente en la noche.
Más allá de la lluvia, el estigma García de los últimos tiempos ("El próximo show lo vamos a hacer desde una gruta"), estos tres recitales en el Luna Park, tal como decíamos en un comienzo, son la última etapa al menos de esta gira de "regreso" de Charly. Ya no hay nada que probarle a nadie: todo esta muy bien encaminado, y no hay señales de despiste. ¿Cómo sigue el futuro? No lo sabemos. Quizás un nuevo disco, por ahí más recitales con otra lista para ganar más confianza. Lo que sí sabemos es que, después de este Luna Park, para Charly García todo parece ser para mejor. Say No More, vamos al corte comercial, y adelante estudios centrales.
Por Pablo Strozza para rolling stone Foto de Leo Vaca.
Lo nuevo de FITO PAEZ
Fito Páez : "No me planteo ser original"
06:51|Acaba de lanzar su flamante Confiá. Habla de su arte, le responde a quienes lo cuestionan, critica a la clase dirigente y se niega a hablar de su relación con Celeste Cid.
En 2007 Fito Páez se convirtió en Rodolfo. A partir de entonces, se metió de lleno a pianista, grabó un disco solista en Buenos Aires, otro en Madrid con músicos invitados, salió de gira con The Killer Burritos, y terminó de escribir el postergadísimo guión de Novela.
"Fue una época exótica para mí, porque era escuchar mi música tocada por otra banda, que tiene un estilo único. Y una etapa solista muy importante para reencontrarme con el piano. Pero después de dos años de eso, sentía que quería volver a un sonido diferente", resume Páez.
La versión 2010 viene de la mano de una larga gira y con un nuevo disco bajo el brazo, grabado entre el frío cordobés, con nieve incluida, la inclemencia y colores porteños, y los calores de Brasil.
En la cocina de su estudio, Circo Beat, un Páez algo agotado después de varias horas de ensayo, habla. De Confiá, de confiar, de sus incontables yoes, de la dirigencia política, de la trilogía fundamental del rock de acá. En un orden en el que todo tiene que ver con todo.
"Fue la primera vez que hice un álbum tan al borde -dice-, en cuanto a entrar al estudio a inventar, con casi nada más que unos trozos de músicas incompletas, y muchas ganas de hacerlo"
¿Realmente creés que la canción se escribe sola, como cantás en "Tiempo al tiempo"?
Sí. Y ese fue el corazón del disco. Al margen de que a esta altura no me voy a asustar si tengo o no el tema. Yo sé que voy a ir por algo, y que no voy a abandonar hasta que ese algo tenga una forma que me atraiga.
Pero sin ir en busca de la canción.
Es que yo no sería tan soberbio. En Confiá hay músicas que esperaron más de 10 años para que les ponga texto. Ese es el trabajo del tiempo, silencioso, y que nadie ve. Y que para mí es muy gratificante. Porque de eso se trata, de dejar que la canción se haga sola, y no de hacer un disco según los tiempos de un contrato.
¿No se puede caer en el riesgo de una fórmula que garantice una buena recepción en el mercado?
No. Jamás. Ese puede ser un análisis que hagan otros, pero a mí me pone nervioso que me preguntes eso. Porque soy un tipo que labura sobre la experiencia que significa meterse adentro de la música. Y nunca me pueden acusar de no ser fiel a las cosas que he sentido que quería decir en cada momento. No soy un tipo al que lo vuelva loco vender un ticket de más, un disco de más. Al contrario, todo eso te trae presiones, quilombos, es la parte menos linda de toda mi vida. Cuando lo viví fue hermoso, pero fue mi etapa menos libre. Recuerdo momentos mucho ás divertidos, como éste, con un repertorio de no sé cuántas canciones, de las que puedo elegir las que quiera. Eso es más divertido que tener la presión de hacer el próximo disco, que tiene que vender igual o más. Te pone en un lugar en el cual no estoy cómodo. Me parece que es un pedido del otro. El otro te está pidiendo que lo dejes conforme. Yo creo que el problema es pensar que uno va a ver lo que espera ver. Ahí está lo que para los artistas más pícaros se llama el público cautivo. Pero los artstas lúcidos y locos y personales, van por otro lado, que es el que de su corazón. Ahí es donde aparece un valor que puede no ser valorado en una época, pero que con el tiempo adquiere una dimensión fabulosa.
¿Ahora bien, si se escriben solas, cuál es el objetivo de hacerlas?
Plasmar una experiencia, ese es el único fin. Yo no soy tan pretencioso. Yo vivo con las cosas, no soy un profesional de esto. Las cosas están latiendo conmigo mientras las hago. Algunas aparecen hoy, otras, mañana. Pero no me planteo ser original. Ya sé que lo soy, en un punto. No tengo ese problema. En todo caso, es una parte que podría ser objeto de la mirada del otro.
Sin embargo, la búsqueda de la novedad para muchos artistas es una especie de mandato.
Es una idea que me parece de una pretensión y un delirio que le escucho a mucha gente. Pero las personas somos hijos de nuestros padres y ellos hijos de los suyos, y ya. Con eso vas a armar toda tu vida. Después podés jugar a los dos acordes o a la gran orquesta. Algo que me puedo dar el lujo de hacer.
En tu caso parecería que vas en camino hacia una mayor simpleza.
Yo no pienso así. Uno decide si quiere trabajar con cosas más complejas o no. Pero esa es una decisión de alguien que conoce la materia. Porque con esa base podrías armar un axioma moral de que lo simple es bueno y lo complejo malo. En algún lugar, recuerdo que me habían acusado de barroco, cuando tenía muchos arreglos, si bien el barroquismo sabemos que es otra cosa. Y los ornamentos están muy bien, también. Son parte del discurso. Yo soy amoral en ese sentido. Eso de que la simpleza es buena y lo otro no. Que la simpleza es esencial y lo que no es simple no lo es. Y yo creo que es al revés. Yo creo que no hay nada simple en la vida. Además, yo recuerdo a algunos artistas de los que se decía que eran simples. Pero lo que pasaba era que sólo sabían usar dos acordes. En cambio, Atahualpa decidía poner sólo dos acordes.
Embarcado en la cuestión de la sencillez, Páez asegura que llegar a esa sencillez formal es algo que no sabe cómo sucede. "Es que cada vez sé menos cómo hago las cosas. Cada vez sé menos de mí. Sé que manejo el lenguaje. Y que manejo cuanto más lenguaje más difícil se torna, porque son más decisiones para tomar. En ese sentido, igual, soy de los que apoyan el estudio de los lenguajes. Me gusta hacerlo, comprenderlos, y animarme a hacer cosas que no sabía hacer, como tocar sambas brasileñas, piezas de Tom Jobim, o de Eric Satie, o de Joseph Haydn. Vas aprendiendo otras cosas, y te da más recusos", explica.
No obstante, plantea que hay un límite. "Hay un momento en el que tenés que abandonar todo eso y darle lugar a tu corazón. Es un lugar común, pero al final, con los años, aprendés que es así. Ahora, en un momento tu corazón puede sonar con muchos arreglos también, y eso no quiere decir que no vuelva a suceder. Por supuesto que siempre dicen que Claude Levi Strauss terminó mirando una piedra en su casa. Bueno, pero primero escribió Tristes Trópicos. Y eso también interesa. El viaje, el camino, es muy importante. Y hay que permitirse todo. En esa línea de no saber con claridad cómo las cosas toman forma, si se le pregunta cuánto hay de autobiográfico en sus nuevas canciones de este disco, el rosarino muestra la tapa de Confiá y dispara: "Te cuenta todo."
¿A vos qué te cuenta?
Que hay mucha gente alrededor de uno. Y que uno no es dueño de su discurso. Es algo así como que yo no soy yo, soy el otro. Y el otro soy yo. Y no tengo que explicarle nada a nadie sobre eso. Yo ya estoy perdido en este mundo. Sé que tengo que ser el padre de mis hijos, y amar a la gente que amo. Pero a la hora de crear, ahí estamos en absoluta libertad. Y ahí, la idea del doble me pareció muy inquietante.
"Confiá (la canción), habla de algo muy íntimo. Y en lo personal se traduce de muchas maneras. Es una forma de sacarse la careta. Dr. Jeckyll y Mr. Hyde. Esta es la vida, que no te asuste. Confiá", monologa. Aunque enseguida Páez parece multiplicar sus personalidades por cien.
¿Existe posibilidad de resumirlas?
Si hubiera que buscar un idea, sería la de un tipo lleno de contradicciones, de quilombos, y también de goce. Pero me niego a explicar las cosas que surgen de la experiencia vital. A mí, la que me tocó para vivir es la de hacer música y cine. En ese sentido, soy un privilegiado. A mí me tocó animar la fiesta. Aunque no soy un entretenedor.
¿Por qué no?
Porque no lo hago para caerle bien a nadie. Yo, cuando busco los sentidos, voy más allá de eso.
Entonces, ¿qué esperás que una canción tuya le cause a quien la escucha?
No espero nada. Yo hago mi música, y la toco. A veces me interesa lo que le pasa a la gente. Pero hay muchísima gente a la que no me interesa lo que le pasa con mis canciones. Porque yo no me puedo pelear con una ciudad. Lo que sí creo es que cuando la ciudad le da 35 Luna Parks a Ricardo Arjona y a Charly García le da dos, tenés que pensar qué significan la política, los diarios, en esa ciudad, en la que hay valores que fueron aniquilados.
Páez no oculta su enojo, y lo asocia a su desencanto, a la decepción que siente. "Yo soy un tipo que ama este lugar, que defiende sus cosas más auténticas y brutales, pero nunca la aniquilación cultural y el vaciamiento de ideas".
Entonces arremete contra "lo vergonzante que es todo lo que se habla del Bicentenario", y "las estupideces a las que nos suelen someter", para enseguida rescatar "la gente hermosa, divina, que tiene este lugar, que hemos destruido". Pero en el que, igual, propone: "Confiá".
¿En quién?
No en la clase dirigente, que es estúpida. Sino en el corazón de la gente con la que uno se vincula. En entregarse a una experiencia noble, y transmitírselo a nuestros hijos.
Suena bien, pero cuesta creer.
Es cierto. Yo siento que es un momento incomodísimo para todas las personas que amamos este lugar. En otro momento alguien podría haber dicho que este es un momento interesante, porque las crisis devienen en cosas buenas. Ni a palos. No hay crisis interesantes en este país. Mientras algunos se pelean como chicos que no saben limpiarse los calzones, el país se desangra. No me puedo hacer el boludo, ni quedar bien porque Clarín lo lee mucha gente. Hay que decirlas cosas. Hay una luz que uno quiere encender, que quiere mantener encendida y atenta. Y siempre va a ser mejor estar relajados. No es lindo pelearse. No es lindo estar a las piñas todo el tiempo. Acá la crisis es profunda, y posiblemente no tenga solución. Ojalá me equivoque.
Aún así, Paéz reconoce la emergencia de señales en sentido positivo. Y rescata la celebración que Luis Alberto Spinetta hizo de sus bandas eternas en Vélez, hace cuatro meses, donde participó como invitado. Al igual que en uno de los recientes conciertos de García, y también en el regreso de Los Gatos, hace un tiempo. Un itinerario que lo une con quienes considera "personas liberadoras, que han hecho cosas bellas hablando de cosas terribles, y también de cosas hermosas".
¿Y vos, en que plano te ubicás con respecto a ellos?
Yo me siento un acompañante privilegiado, en primera fila, de tres tipos fundamentales de la época que me tocó vivir: Charly, Litto y Luis. Jamás me inscribiría dentro de la tradición. Eso lo decidirán otros. Soy un espectador de lujo. Yo sé lo que significa estar en una sala de ensayo con cada uno de los tres. Y eso me hace responsable. Ojalá el tiempo me dé un espacio en el que alguien pueda decir que estuve a la altura de los zapatos que me dieron, de la ropa que me dejaron probarme.«
06:51|Acaba de lanzar su flamante Confiá. Habla de su arte, le responde a quienes lo cuestionan, critica a la clase dirigente y se niega a hablar de su relación con Celeste Cid.
En 2007 Fito Páez se convirtió en Rodolfo. A partir de entonces, se metió de lleno a pianista, grabó un disco solista en Buenos Aires, otro en Madrid con músicos invitados, salió de gira con The Killer Burritos, y terminó de escribir el postergadísimo guión de Novela.
"Fue una época exótica para mí, porque era escuchar mi música tocada por otra banda, que tiene un estilo único. Y una etapa solista muy importante para reencontrarme con el piano. Pero después de dos años de eso, sentía que quería volver a un sonido diferente", resume Páez.
La versión 2010 viene de la mano de una larga gira y con un nuevo disco bajo el brazo, grabado entre el frío cordobés, con nieve incluida, la inclemencia y colores porteños, y los calores de Brasil.
En la cocina de su estudio, Circo Beat, un Páez algo agotado después de varias horas de ensayo, habla. De Confiá, de confiar, de sus incontables yoes, de la dirigencia política, de la trilogía fundamental del rock de acá. En un orden en el que todo tiene que ver con todo.
"Fue la primera vez que hice un álbum tan al borde -dice-, en cuanto a entrar al estudio a inventar, con casi nada más que unos trozos de músicas incompletas, y muchas ganas de hacerlo"
¿Realmente creés que la canción se escribe sola, como cantás en "Tiempo al tiempo"?
Sí. Y ese fue el corazón del disco. Al margen de que a esta altura no me voy a asustar si tengo o no el tema. Yo sé que voy a ir por algo, y que no voy a abandonar hasta que ese algo tenga una forma que me atraiga.
Pero sin ir en busca de la canción.
Es que yo no sería tan soberbio. En Confiá hay músicas que esperaron más de 10 años para que les ponga texto. Ese es el trabajo del tiempo, silencioso, y que nadie ve. Y que para mí es muy gratificante. Porque de eso se trata, de dejar que la canción se haga sola, y no de hacer un disco según los tiempos de un contrato.
¿No se puede caer en el riesgo de una fórmula que garantice una buena recepción en el mercado?
No. Jamás. Ese puede ser un análisis que hagan otros, pero a mí me pone nervioso que me preguntes eso. Porque soy un tipo que labura sobre la experiencia que significa meterse adentro de la música. Y nunca me pueden acusar de no ser fiel a las cosas que he sentido que quería decir en cada momento. No soy un tipo al que lo vuelva loco vender un ticket de más, un disco de más. Al contrario, todo eso te trae presiones, quilombos, es la parte menos linda de toda mi vida. Cuando lo viví fue hermoso, pero fue mi etapa menos libre. Recuerdo momentos mucho ás divertidos, como éste, con un repertorio de no sé cuántas canciones, de las que puedo elegir las que quiera. Eso es más divertido que tener la presión de hacer el próximo disco, que tiene que vender igual o más. Te pone en un lugar en el cual no estoy cómodo. Me parece que es un pedido del otro. El otro te está pidiendo que lo dejes conforme. Yo creo que el problema es pensar que uno va a ver lo que espera ver. Ahí está lo que para los artistas más pícaros se llama el público cautivo. Pero los artstas lúcidos y locos y personales, van por otro lado, que es el que de su corazón. Ahí es donde aparece un valor que puede no ser valorado en una época, pero que con el tiempo adquiere una dimensión fabulosa.
¿Ahora bien, si se escriben solas, cuál es el objetivo de hacerlas?
Plasmar una experiencia, ese es el único fin. Yo no soy tan pretencioso. Yo vivo con las cosas, no soy un profesional de esto. Las cosas están latiendo conmigo mientras las hago. Algunas aparecen hoy, otras, mañana. Pero no me planteo ser original. Ya sé que lo soy, en un punto. No tengo ese problema. En todo caso, es una parte que podría ser objeto de la mirada del otro.
Sin embargo, la búsqueda de la novedad para muchos artistas es una especie de mandato.
Es una idea que me parece de una pretensión y un delirio que le escucho a mucha gente. Pero las personas somos hijos de nuestros padres y ellos hijos de los suyos, y ya. Con eso vas a armar toda tu vida. Después podés jugar a los dos acordes o a la gran orquesta. Algo que me puedo dar el lujo de hacer.
En tu caso parecería que vas en camino hacia una mayor simpleza.
Yo no pienso así. Uno decide si quiere trabajar con cosas más complejas o no. Pero esa es una decisión de alguien que conoce la materia. Porque con esa base podrías armar un axioma moral de que lo simple es bueno y lo complejo malo. En algún lugar, recuerdo que me habían acusado de barroco, cuando tenía muchos arreglos, si bien el barroquismo sabemos que es otra cosa. Y los ornamentos están muy bien, también. Son parte del discurso. Yo soy amoral en ese sentido. Eso de que la simpleza es buena y lo otro no. Que la simpleza es esencial y lo que no es simple no lo es. Y yo creo que es al revés. Yo creo que no hay nada simple en la vida. Además, yo recuerdo a algunos artistas de los que se decía que eran simples. Pero lo que pasaba era que sólo sabían usar dos acordes. En cambio, Atahualpa decidía poner sólo dos acordes.
Embarcado en la cuestión de la sencillez, Páez asegura que llegar a esa sencillez formal es algo que no sabe cómo sucede. "Es que cada vez sé menos cómo hago las cosas. Cada vez sé menos de mí. Sé que manejo el lenguaje. Y que manejo cuanto más lenguaje más difícil se torna, porque son más decisiones para tomar. En ese sentido, igual, soy de los que apoyan el estudio de los lenguajes. Me gusta hacerlo, comprenderlos, y animarme a hacer cosas que no sabía hacer, como tocar sambas brasileñas, piezas de Tom Jobim, o de Eric Satie, o de Joseph Haydn. Vas aprendiendo otras cosas, y te da más recusos", explica.
No obstante, plantea que hay un límite. "Hay un momento en el que tenés que abandonar todo eso y darle lugar a tu corazón. Es un lugar común, pero al final, con los años, aprendés que es así. Ahora, en un momento tu corazón puede sonar con muchos arreglos también, y eso no quiere decir que no vuelva a suceder. Por supuesto que siempre dicen que Claude Levi Strauss terminó mirando una piedra en su casa. Bueno, pero primero escribió Tristes Trópicos. Y eso también interesa. El viaje, el camino, es muy importante. Y hay que permitirse todo. En esa línea de no saber con claridad cómo las cosas toman forma, si se le pregunta cuánto hay de autobiográfico en sus nuevas canciones de este disco, el rosarino muestra la tapa de Confiá y dispara: "Te cuenta todo."
¿A vos qué te cuenta?
Que hay mucha gente alrededor de uno. Y que uno no es dueño de su discurso. Es algo así como que yo no soy yo, soy el otro. Y el otro soy yo. Y no tengo que explicarle nada a nadie sobre eso. Yo ya estoy perdido en este mundo. Sé que tengo que ser el padre de mis hijos, y amar a la gente que amo. Pero a la hora de crear, ahí estamos en absoluta libertad. Y ahí, la idea del doble me pareció muy inquietante.
"Confiá (la canción), habla de algo muy íntimo. Y en lo personal se traduce de muchas maneras. Es una forma de sacarse la careta. Dr. Jeckyll y Mr. Hyde. Esta es la vida, que no te asuste. Confiá", monologa. Aunque enseguida Páez parece multiplicar sus personalidades por cien.
¿Existe posibilidad de resumirlas?
Si hubiera que buscar un idea, sería la de un tipo lleno de contradicciones, de quilombos, y también de goce. Pero me niego a explicar las cosas que surgen de la experiencia vital. A mí, la que me tocó para vivir es la de hacer música y cine. En ese sentido, soy un privilegiado. A mí me tocó animar la fiesta. Aunque no soy un entretenedor.
¿Por qué no?
Porque no lo hago para caerle bien a nadie. Yo, cuando busco los sentidos, voy más allá de eso.
Entonces, ¿qué esperás que una canción tuya le cause a quien la escucha?
No espero nada. Yo hago mi música, y la toco. A veces me interesa lo que le pasa a la gente. Pero hay muchísima gente a la que no me interesa lo que le pasa con mis canciones. Porque yo no me puedo pelear con una ciudad. Lo que sí creo es que cuando la ciudad le da 35 Luna Parks a Ricardo Arjona y a Charly García le da dos, tenés que pensar qué significan la política, los diarios, en esa ciudad, en la que hay valores que fueron aniquilados.
Páez no oculta su enojo, y lo asocia a su desencanto, a la decepción que siente. "Yo soy un tipo que ama este lugar, que defiende sus cosas más auténticas y brutales, pero nunca la aniquilación cultural y el vaciamiento de ideas".
Entonces arremete contra "lo vergonzante que es todo lo que se habla del Bicentenario", y "las estupideces a las que nos suelen someter", para enseguida rescatar "la gente hermosa, divina, que tiene este lugar, que hemos destruido". Pero en el que, igual, propone: "Confiá".
¿En quién?
No en la clase dirigente, que es estúpida. Sino en el corazón de la gente con la que uno se vincula. En entregarse a una experiencia noble, y transmitírselo a nuestros hijos.
Suena bien, pero cuesta creer.
Es cierto. Yo siento que es un momento incomodísimo para todas las personas que amamos este lugar. En otro momento alguien podría haber dicho que este es un momento interesante, porque las crisis devienen en cosas buenas. Ni a palos. No hay crisis interesantes en este país. Mientras algunos se pelean como chicos que no saben limpiarse los calzones, el país se desangra. No me puedo hacer el boludo, ni quedar bien porque Clarín lo lee mucha gente. Hay que decirlas cosas. Hay una luz que uno quiere encender, que quiere mantener encendida y atenta. Y siempre va a ser mejor estar relajados. No es lindo pelearse. No es lindo estar a las piñas todo el tiempo. Acá la crisis es profunda, y posiblemente no tenga solución. Ojalá me equivoque.
Aún así, Paéz reconoce la emergencia de señales en sentido positivo. Y rescata la celebración que Luis Alberto Spinetta hizo de sus bandas eternas en Vélez, hace cuatro meses, donde participó como invitado. Al igual que en uno de los recientes conciertos de García, y también en el regreso de Los Gatos, hace un tiempo. Un itinerario que lo une con quienes considera "personas liberadoras, que han hecho cosas bellas hablando de cosas terribles, y también de cosas hermosas".
¿Y vos, en que plano te ubicás con respecto a ellos?
Yo me siento un acompañante privilegiado, en primera fila, de tres tipos fundamentales de la época que me tocó vivir: Charly, Litto y Luis. Jamás me inscribiría dentro de la tradición. Eso lo decidirán otros. Soy un espectador de lujo. Yo sé lo que significa estar en una sala de ensayo con cada uno de los tres. Y eso me hace responsable. Ojalá el tiempo me dé un espacio en el que alguien pueda decir que estuve a la altura de los zapatos que me dieron, de la ropa que me dejaron probarme.«
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